Amancio Prada. “Rosalía de Castro”.

Hablar de Rosalía de Castro es hablar de una de las figuras del post-romanticismo del XIX, a la altura de Bécquer o del rumano Eminescu. Su obra en verso, especialmente la escrita en gallego (sólo escribió un libro en castellano, “En las orillas del Sar”) está imbuida de un inmenso dolor por el estado social de Galicia, por los problemas de la emigración, y por supuesto, aunque en otros ámbitos, por el amor. Sus versos son un ejemplo perfecto de esa palabra tan de moda llamada “morriña”.
Amancio Prada es lo más parecido que podemos encontrar a un trovador moderno. Casi toda su música está vinculada a grandes poetas de cualquier momento de la historia, desde San Juan de la Cruz hasta José Agustín Goytisolo, y en esta poetisa gallega le dedicó dos de sus discos, además de breves apariciones en otros, pero destacamos este “Rosalía de Castro” por ser el primero, además de ser de los inicios de la carrera del cantautor, cuya voz meliflua y muy trabajada (aunque a veces pobre) acompañada de una guitarra y un violonchelo y siguiendo ritmos populares gallegos, crea una perfecta comunión con esa morriña antes citada.

Branduardi canta Yeats.

Cantautor italiano con un concepto casi mágico de la música, que es una mezcla de medieval con tradicional siempre acompañada de mucha cuerda, es un excelente violinista, y de su voz cálida, que parece que acaricia las canciones. Sin embargo en este disco hace un cambio bastante importante en su universo sonoro, pasando a ser un disco bastante intimista, incluso místico, como corresponde a los poemas de William Butler Yeats, aquí traducidos al italiano por Luisa Zappa, esposa del cantautor, además de forma bastante lograda, lo que no es precisamente fácil al hablar de un poeta simbolista. Casi todos los temas tratan la tristeza de una u otra forma, desde el aviador irlandés que prevé su muerte hasta el bufón cuya vida extingue al no poder alcanzar a su amada, pasando por una recreación de cuando su amada llegue a la vejez, y están muy bien aderezados por sonidos acústicos. Un gran disco para escuchar en una de esas tardes tristes de otoño al lado de la chimenea.

Paco Ibáñez en el Olympia.

Paco Ibáñez en el Olympia. (1969)

Símbolo de la resistencia y de la libertad absoluta del artista y su arte frente a convencionalismos sociales y premios, Paco Ibáñez siempre siguió al pie de la letra el poema de Gabriel Celaya que dice “la poesía es un arma cargada de futuro”, y eso es lo que escuchamos en todos sus discos, el arma que los poetas dejaron sembrada para que el futuro sea más justo. No nos va a asombrar con una voz maravillosa que no tiene, no nos va a deleitar con unos acompañamientos brillantes de guitarra, que no hace... su voz cascada, que por momentos hasta parece que desafine un poco, y su guitarra rasgada, que por momentos parezca que va a llorar, iluminan lo más granado de nuestra literatura y de cualquier época. Este disco, un directo en la mítica sala Olympia de París, es un hermoso repaso a la historia de la literatura española, que de forma muy combativa nos presenta desde un fragmento de “las coplas por la muerte de su padre” de Jorge Manrique hasta poetas de los 60 como José Agustín Goytisolo, pero tocando nuestro Siglo de Oro, con chanzas de Quevedo o Góngora, nuestro 27 con Lorca o Cernuda, nuestra posguerra con el ya mencionado Celaya o con Alberti y así hasta 21 canciones con casi otros tantos poetas. Hace un breve descanso de poesía española para deleitarnos con un poema del cubano Nicolás Guillén y una canción del eterno Brassens.